La charrería; Breviario del deporte nacional

Por: Thelma Morales García

Octavio Chávez es reconocido por los diferentes libros que ha publicado sobre el tema y también la trayectoria que ha hecho dentro del deporte de la Charrería, siendo en tres ocasiones Campeón Nacional con la suerte del paso de la muerte. Para quienes no han tenido oportunidad de conocer a fondo lo que es la Charrería, “La Charrería breviario del deporte nacional” nos permite acceder fácilmente a una de las tradiciones más reconocidas en nuestro país y símbolo de orgullo para quienes practican este deporte.

Aquí encontramos “El origen de la charrería”con un análisis desde la época de la Conquista, cuando Hernán Cortés aseguraba que ello no hubiese sido posible sin los caballos y que desde entonces los indígenas tenían prohibido montar a caballo. También nos comenta sobre la importancia de la charrería a campo traviesa, pues desde los siglos XVIII y XIX era la única manera de someter al ganado y de alguna manera se empieza a ver a la charrería de manera organizada con la creación de lienzos charros.

En este libro se dedica un apartado a la “Asociación Nacional de Charros” que se funda en 1921, la cual es considerada como la Decana de la Charrería por la Federación Mexicana de Charrería. De ahí surgirán todas la demás de la República Mexicana, entre ella la de Toluca. También nos muestra algunos Lienzos Charros ubicados en diversos lugares de nuestro país.

También encontraremos un capítulo sobre la “Organización nacional de la charrería” donde afirma don Octavio Chávez que en la actualidad, se cuenta con más de 900 asociaciones federadas, que militan bajo la misma rectoría, y en los Estados Unidos con otras 300, así como con grandes grupos de escaramuzas. Así como las competencias estatales y torneos nacionales de carácter oficial como: el Torneo Guadalupano, Campeonato Nacional de Norteamérica, Campeonato Nacional de Charros Mayores y Campeonato Nacional Infantil y Juvenil. Además de las fechas importantes para el deporte nacional como el día del charro instituido formalmente el 14 de septiembre de 1934.

Aparece en “La charrería en las artes” el nombre de Ernesto Icaza quien fue uno de los más productivos y destacados pintores con el tema de la charrería en sus obras y uno de los más cotizados por el detalle que muestra en cada una de sus pinturas.

“El caballo en la charrería”, nos habla de tres razas de caballos que se han utilizado en nuestro país para las faenas y nos describe cada una de ellas. El criollo, el cuarto de milla y el azteca.

La participación de “La mujer en la charrería” es un eje fundamental, porque destaca como deportista consagrada que participa en equipo como escaramucera y actualmente se cuenta con más de 300 escaramuzas federadas en México y 80 escaramuzas federadas en Estados Unidos.

“El floreo de reata” es todo un arte, pero es también un atractivo espectáculo que para dominarlo se debe dedicar durante toda una vida según reza algún dicho. La reata que usa el charro es una cuerda torcida que está hecha de ixtle (fibra) de maguey, que es una planta de la familia de las amarilidáceas, crece en México y tiene diversas variedades, como la lechuguilla o la pita. En nuestra entidad de esta artesanía se dice que las mejores se fabrican en Coatepec Harinas.

Sobre las “Suertes charras”, Octavio Chávez nos habla de nueve y describe en su libro cada una de ellas, como la Cala de caballo, el Coleadero, las Manganas y una en la que él fue campeón nacional y estatal, el paso de muerte.

El traje que portan los charros es lo que más identifica a la charrería y me hace recordar aquel dicho: “Honrarás el traje que llevas puesto sin excusa ni pretexto” y en el apartado “El charro y su atuendo” se menciona que la Federación Mexicana de Charrería ha reglamentado el uso de los diferentes tipos de trajes, como el de faena, que es usual para las competencias; el de media gala, que es más ornamentado y también se puede utilizar para las competencias; el traje de gala y el de etiqueta o ceremonia, que es el más elegante y se usa en ocasiones muy especiales pero nunca se porta a caballo.

Recuerdo que en alguna de las conferencias que ha impartido don Octavio Chávez comentó que históricamente se sabe que Maximiliano de Habsburgo portó el traje de charro, lo que yo no sabía que Maximiliano diseño del traje de charro color negro que hoy se considera de gala. Es por ello que se dice que “Vestirse de charro es vestirse de México”.

“La artesanía en la charrería” es uno de los apartados que más llamó mi atención porque es un orgullo saber que muchos artesanos han destacado en la elaboración de los elementos de la charrería como: las botonaduras de hueso, los bordados, chapetones,
frenos, espuelas,
sombreros, albardas,
cuartas, sarapes, fustes, sillas charras, riendas, chaparreras,
rebozos,
reatas, cinturones, entre muchos más.

Quienes han participado en las charreadas encuentran en “La música”un elemento fundamental que ha logrado distinguir nuestra mexicanidad ante el mundo, lo que ha llevado a reconocer al mariachi como Patrimonio Cultural Intangible de la Humanidad por parte de la UNESCO. El jarabe tapatío es una tradición entre los charros, porque no hay espectáculo charro que no concluya con el jarabe ya que el baile recrea el enamoramiento de la pareja y el coqueteo, el cierre de la fiesta charra concluye con la mujer vestida de china poblana y el charro bailando quienes festejan con una diana final tomados de la mano.

“El futuro de la charrería” es crear escuelas con este deporte, así como semilleros de charros que sean dirigidos en su mayoría por charros consagrados que mantienen la tradición viva entre su familia y no sólo se considera un deporte, es una cultura transmitida de generación en generación; por lo que cada asociación deberá contar con una escuela de charrería y ello permitirá que esta raza de hombres a caballo no se acabe nunca.

El libro esta bellamente editado con fotografías y dichos o refranes sobre el tema de la charrería y es importante destacar que La Charrería ha sido tema de poetas, pintores, músicos, historiadores, artesanos y personas de reconocida cultura; todos ellos amantes de nuestras tradiciones y raíces.

La Tradición de la Charrería, desde 2016 fue considerada por la UNESCO como parte del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, pues cuenta con arte, cultura y tiene un conjunto de tradiciones con elementos significativos que representan identidad, valores y conocimientos que se transmiten de generación en generación.

Gracias a don Octavio Chávez por continuar sus investigaciones y darnos la oportunidad a través de sus publicaciones, de conocer un poco más lo que simboliza la Charrería en nuestro país.

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Africanidad y afrodescendencia

Por: Thelma Morales García

El viernes 22 de mayo de 2026 escuché la conferencia de la Dra. Georgina Flores García en la Red Iberoamericana de historiadoras de la Universidad de Sonora, con la conferencia “Presencia africana y afrodescendiente del Valle de Toluca. Siglo XVII”, ella fue mi maestra de historia en la Facultad de Ciencias Políticas y a quien he seguido muy de cerca las investigaciones derivadas de sus estudios sobre los afrodescendientes y que la ha llevado a buscar su presencia desde el siglo XVII en el Valle de Toluca, en los archivos históricos y parroquiales donde ha indagado hasta sus nombres verdaderos, aunque sólo sean unos cuantos, los ha visibilizado en nuestro país, donde la negación por la sangre negra está presente a pesar de los esfuerzos de gente que como ella ha luchado porque sus tradiciones y cultura hayan prevalecido durante siglos.

En su conferencia resaltó su gran pasión por este tema diciendo que todos los días honra a África y su objetivo es que todos los valoremos, porque no sólo dejaron sus huellas en la genética, también en la cultura: en 1958 se declara el 25 de mayo como el “Día Mundial de África”; asimismo, el 25 de mayo de 1963 en Addis Abeba, capital de Etiopía, los líderes de 32 naciones africanas, solemnemente reunidos en conferencia, se comprometen a crear una organización que les dé una voz unida por primera vez en la historia de África, y para ello concluyen con el acuerdo de todos los delegados de fundar la Organización de la Unidad Africana (OUA). Su principal objetivo será descolonizar los bastiones blancos de Rhodesia del Sur, Sudáfrica, Mozambique y Angola. Después de 38 años de su fundación, el 25 de mayo de 2001, la OUA se disolverá para ser sustituida por la Unión Africana, también con sede en Addis Abeba.

En el mes de marzo de 2026 hubo un avance más, quienes fueron arrancados del Continente Africano se considera Crimen de Lesa Humanidad (del latín Laesa, que significa: lastimado, agraviado, ofendido), se realiza el acta donde se llegaron a varios acuerdos como: reformas legales para combatir el racismo sistémico y la devolución de bienes culturales a sus países de origen, entre otros. El primer crimen de lesa humanidad fueron los juicios de Núremberg en contra de los líderes de la Alemania Nazi, pero no se compara con los 540 años de crímenes cometidos contra África, nos dice la doctora Flores. Sólo tres países no quisieron firmar el reconocimiento de Crimen de Lesa Humanidad: Estados Unidos, Argentina e Israel.

Niños, mujeres, hombres, ancianos, fueron arrancados durante varios siglos del continente africano, considerado una gran torre de Babel, pues venían del Congo, Angola, Zaire, Sierra Leona, todos hablando distintos idiomas y al llegar a la Nueva España tuvieron aprender el castellano.

Según la teoría de Davison se considera a África la Madre de América, derivado de que fueron trasladados desde el siglo XVI millones de africanos para trabajar en las minas y en las plantaciones, lo que no sólo implicó la migración forzada de personas, sino también costumbres, religiones, lenguas y conocimientos de la cultura africana.

Por fortuna, el paso de muchos de ellos en estas tierras, quedaron en los documentos que ha investigado la Dra. Flores y los ha encontrado gracias a la riqueza de los archivos algunos catalogados por tema como: Tierras, Inquisición, Hospital de Jesús, Juicios, Testamentos, etc. En el Archivo General de Indias  (que se encuentra en España y ahí se menciona a Toluca), Archivo General de la Nación y en nuestra entidad, el Archivo General de Notarías, Archivo del Poder Judicial del Estado de México, Archivos parroquiales, Fondo Reservado de la Biblioteca Pública Central Estatal; el Archivo de la Parroquia del Sagrario en Toluca que está por cumplir 300 años.

En su conferencia mencionó que en dos Códices aparece Juan Cortés que aunque trae la vestimenta española, perfectamente se aprecia el tono de su piel y el cabello rizado se trata de un personaje cercano a Hernán Cortés, con nombre castellanizado y tomando el apellido Cortés. En el Códice Azcatitlán se le aprecia al mismo Juan Cortés, junto a Hernán Cortés y la Malinche, ya desde ahí se ve la presencia de africanos, cuando se dirigen a Tenochtitlán.

Los documentos nos dicen que las personas de origen africano no se fueron, se quedaron y hubo mestizaje, no sólo estaban en las minas o en las plantaciones, también había oficios a los que se dedicaban como: la cocina, labores domésticas, nodrizas, curtiduría, arriería. Y aunque las ordenazas prohibían que las personas negras fueran maestros, tenemos el ejemplo de Juan Correa que es uno de los grandes maestros pintores del arte en las iglesias, también aparece un barbero que realiza diversas cirugías, era médico cirujano barbero y se encuentra su nombre y su oficio aparece en la Notaría Número 1 de Toluca.

Por ello, nos falta mucho por descubrir sobre la sangre negra no sólo en nuestra ciudad de Toluca, sino en el vasto territorio del Valle de Toluca.

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Amado Nervo

Por: Thelma Morales García

Quienes me conocen saben de mi gusto por la poesía decimonónica, tal vez me atrae esa época por tantos personajes históricos que se han convertido en mis guías en el tema literario, disfruto mucho con la lectura de poesía, novela, cuento y crónica.

Cuando conocí al poeta Alí Chumacero (1918-2010) nacido en Acaponeta, Nayarit, platicamos de Amado Nervo (1870-1919), nacido con el nombre de Amado Ruiz de Nervo y Ordaz en Tepic, ambos poetas muy queridos no sólo en su tierra, sino en todo el país.

También quienes me conocen saben que me encanta el cine mexicano, fundamentalmente la época de Oro, cuando descubrí muy niña uno de los sonetos que memoricé gracias a una de esas películas “México de mis recuerdos” la versión de 1944 protagonizada por Fernando Soler, Sofía Álvarez, Luis Aldás y Joaquín Pardavé, en una de las escenas se reunían a recitar o a cantar, varios personajes destacados de la historia nacional como: Ernesto Elourdy, Luis G. Urbina y Amado Nervo, este último interpretado por el actor español José Pidal (1896-1956).

El verso que ahí se recitaba era el de “Cobardía”: Pasó con su madre. ¡Que rara belleza! ¡que rubios cabellos de trigo garzul! ¡qué ritmo en el paso! ¡que innata realeza de porte! ¡qué formas bajo el fino tul…! Pasó con su madre. Volvió la cabeza: ¡me clavó muy hondo su mirada azul! Quedé como en éxtasis… Con febril premura, <<¡síguela! >>, gritaron cuerpo y alma al par. …Pero tuve miedo de amar con locura, de abrir mis heridas que suelen sangrar, ¡y no obstante toda mi sed de ternura, cerrando los ojos, la dejé pasar!

¡Lindo Madrigal! refiere el personaje de Fernado Soler, entonces nada sabía de rimas, ni formas poéticas, pero se refería a que el poema combinaba versos endecasílabos y de ahí su musicalidad, que tanto llamó mi atención, después en los libros que mi abuela paterna tenía en su biblioteca, guardé una antología donde venían muchos poemas de diversos autores y la poesía desde entonces marcó mi vida.

Su libro la “Amada Inmóvil”, está dedicado a quien fue su pareja durante poco más de diez años Ana Cecilia Luisa Dailliez de origen francés y a quien tuvo en la más estricta privacidad, al grado que sólo a la muerte de ella se supo de que mantenían una relación amorosa, pues escribió el libro en homenaje a su amada y en el prólogo escribe parte de los que fue su vida juntos: “Sobre el mármol de su cómoda ha quedado su sombrero, tal como ella lo puso el último día que salió al tornar a casa. Sus pieles y su blusa negra, pendientes de la percha en que sus manos las colocaron, con esa meticulosidad que le era propia y que hacia de ella la ménagere por excelencia, tienen aún su olor a mujer limpia, su olor que respiré más de diez años. las otras prendas de su ropa cuelgan vacías en el vestidor. Por donde quieran sus huellas me salen al paso. El lecho vacío me parece desmesurado: Ha de sobrarme la mitad del lecho, y ha de faltarme la mitad del alma.”

Un libro desgarrador por la ausencia de su gran amor, uno se pregunta si no fueron los prejuicios de la época los que hicieron que Nervo no se casara con ella, pues era madre soltera y nuestro poeta tenía un puesto diplomático como ministro plenipotenciario, pero quedan sus obras para que sigamos leyendo a través de sus versos lo que fue su vida, como aquellos que casi todos recuerdan: “Muy cerca de mi ocaso, yo te bendigo vida, porque nunca me diste ni esperanza fallida ni trabajos injustos, ni pena inmerecida. Porque al final de mi rudo camino que yo fui el arquitecto de mi propio destino ¡Vida, nada me debes! ¡Vida, estamos en paz!”

El 24 de mayo de 1919 muere en Montevideo, Uruguay, y sus restos llegarán a la ciudad de México el 13 de noviembre de ese mismo año, el cortejo fúnebre recorrió el Paseo de la Reforma hasta ser depositados en la Rotonda de las Personas Ilustres del Panteón Civil de Dolores. Se estima que más de 300 mil personas presenciaron su corte.

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El arte del riesgo

Por: Thelma Morales García

Fernando Gamboa (1909-1990) es reconocido como el padre de la museografía mexicana, además de promover el arte mexicano en todo el mundo. Guillermo Tovar historiador mexicano decía que: “A Gamboa le gustaba revelar el aspecto desconocido de las cosas. Su mayor fascinación era la de mostrar y sorprender con todo aquello que en otro momento había descubierto. A eso dedicó casi toda su vida, a exponer y recrear lo bello y el arte, para beneficio de muchos. Su obra resultó efímera. Sus creaciones duraron tanto como el tiempo que sus exposiciones se mantenían abiertas para el público. Pero su esfuerzo no fue en vano; gracias a Gamboa, muchísimas personas de México y del mundo conocieron y valoraron aspectos esenciales de nuestro ser y nuestra cultura.”

Pero un acontecimiento sucedido el 9 de abril de 1948 en Bogotá, Colombia, nos hizo admirar su compromiso con el patrimonio artístico de México. Este hecho fue conocido como “El Bogotazo”; en ese tiempo Gamboa se desempeñaba como Subdirector General del Instituto Nacional de Bellas Artes y había llevado ocho cajas con la obra de lo más representativo del arte mexicano, ya que se iba a realizar la exposición “Cuatro siglos de Arte Mexicano”, la cual no se llevaría a cabo por el asesinato del líder del Partido Liberal Colombiano Jorge Eliécer Gaitán, lo que provocó múltiples disturbios en las calles y edificios incendiados.

Cuando Gamboa se enteró, se dirigió al Palacio de Comunicaciones donde se encontraban las obras y sin medir el peligro ingresó con varias personas que le ayudaron a poner a salvo las cajas, mismas que custodió por casi tres días sin agua, ni comida hasta que pudo sacarlas de ahí y llevarlas a un lugar seguro. Este hecho fue conocido mundialmente y en nuestro país Jaime Torres Bodet lo llamó “Héroe del Bogotazo”. En 2009 con motivo del Centenario de su nacimiento, se realizó en el museo Mural Diego Rivera la exposición “Fernando Gamboa, arte en riesgo”, donde se exhibieron las obras que en 1948 no pudieron ser expuestas por el lamentable suceso.

De esta experiencia, una vez que regresó a México, le rindieron un homenaje por salvar de las llamas obras como: Juan Cordero, Hermenegildo Bustos, Luis Coto, José María Velasco, Joaquín Clausell, Gerardo Murillo Dr. Atl, Francisco Goytia, José Clemente Orozco, Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, Raúl Anguiano, José Chávez Morado, Rufino Tamayo, Julio Castellanos, entre otros. En su discurso de agradecimiento dijo: “Quien goza del privilegio de vivir y comprender el clima heroico en que se produce el arte mexicano […] no puede menos que tratar de defenderlo con la misma intensidad espiritual de quienes lo produjeron, así se trate de preservarla del riesgo de un siniestro o de las amenazas de la intolerancia. Es lo uno poner a salvo su materia; lo otro equivale a mantener la libertad, única condición de su existencia.” José Chávez Morado realizó un grabado con la imagen de Fernando Gamboa salvando las obras del fuego, que ilustró el corrido de Isabel Villaseñor donde narraba lo sucedido.

En 1980 un grupo de artistas e intelectuales le realizaron una comida homenaje, en ese evento Octavio Paz leyó su discurso donde reconocía todas las aportaciones que había hecho a lo largo de su trayectoria: “En 1972 nuestro Gobierno tuvo la buena idea de nombrarlo director del Museo de Arte Moderno de nuestra ciudad. Desde entonces Gamboa ha organizado 183 exposiciones. Con Gamboa nace la museografía mexicana en el campo de arte. Desde su origen, la museografía ha estado ligada a la historia, ya que nació de la necesidad de preservar las reliquias del pasado. La historia mantiene relaciones sutiles con el tiempo. Es una ciencia, un arte y una técnica –todo junto– que consiste en la presentación del pasado. En el caso de la museografía, esta presentación comprende también el arte de nuestros días, el que se hace ante nuestros ojos. Ahora bien, a diferencia de la historia, que se sirve preferentemente del lenguaje, que es siempre temporal, la museografía es la presentación espacial de un trozo del tiempo vivo: la obra de arte. En esto consiste su esencia o naturaleza.”

Fernando Gamboa fallece el 7 de mayo de 1990 en la ciudad de México, en ese momento seguía muy activo profesionalmente era el Director de Fomento Cultural Banamex; también era Director General de Museos en el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes; pertenecía a la Fundación Dolores Olmedo Patiño, y al Consejo de la Crónica de la ciudad de México, entre otros. 

El pasado sábado 9 de mayo en el Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara, Jalisco, recibí el Galardón Nacional al Mérito Museístico “Fernando Gamboa”, por mi trayectoria de casi 25 años dedicada a los museos del Estado de México, me siento muy honrada por el Colegio Mexicano de Profesionales de la Cultura el distinguirme representando a mi Estado, compartiendo dicho Galardón con personajes destacados por la ciudad de México, Juan Coronel Rivera y Walter Boelsterly Urrutia; por Jalisco, María Fernanda Matos Moctezuma y Patricia Urzúa Díaz; por Nayarit, Gabriela Gutiérrez Ortiz; por Nuevo León, Gloria Treviño Delgado y por Zacatecas, María Rosa Franco Velasco.

Llevar este galardón que se entrega por primera vez, hace comprometerme aún más con mi vocación de vida: el arte y la cultura, por lo que las palabras de Fernando Gamboa son tan actuales que prevalecen para que “No olvidemos que en el mundo de hoy, que apunta cada vez más hacia la conducta programada de la humanidad, la única posibilidad de libertad de conciencia es el arte. ¡Viva el arte! ¡Vivan sus creadores!” Fernando Gamboa, 1980.

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“Vendrá la muerte y tendrá tus ojos”

Por: Thelma Morales García

Este frase, es el título de un poema del escritor italiano Cesare Pavese (1908-1950), dedicado a su novia Constance Dowling, actriz norteamericana que decidió regresar a su país y terminar su relación con él, desde entonces será recordada como la musa trágica del poeta suicida.

Pavese se quitó la vida hace 76 años, pero si revisamos parte de su obra, en ella hallaremos un tema recurrente: el dolor. Los personajes de sus novelas están predestinados al fracaso, a la autodestrucción; cuando uno se pregunta si el motivo de su suicidio tiene que ver con el abandono de su novia, Ricardo Piglia dice que sólo fue la gota que derramó el vaso: “El suicidio se volvió desde joven una idea fija en un depresivo crónico como Pavese, que sus últimos años fue un náufrago sobreviviente.”

Destacan sus obras «Trabajar cansa» (1936), «La cárcel» (1938), «La playa» (1942), «Feria de Agosto» (1944), «Diálogos con Leucó» (1947), «El diablo en las colinas» (1948), «El bello verano» (1949), «Entre mujeres solas» (1948), «La luna y las fogatas» (1950), y publicados post mortem: «Vendrá la muerte y tendrá tus ojos» poemas (1951) y su Diario «El Oficio de vivir» 1935-1950 (1952).

En estas líneas hablaré de su última novela “La luna y las hogueras”, la cual leí recientemente y me gustó porque me recordó algunas escenas de mi propia infancia y porque mucho de lo ahí descrito es autobiográfico de la propia vida de Pavese, gracias a que llevaba un diario sabemos que concluyó esta novela el 9 de noviembre de 1949, considerada por muchos su obra maestra y que será publicada al año siguiente.

Cuando uno comienza la lectura, encontramos paisajes bucólicos que nos recuerdan el campo, de hecho muchas de las narraciones de la obra de Pavese se desarrollan en la ciudad, el pueblo y los paisajes del noreste italiano, y aquí vemos los marcados recuerdos de su infancia en Santo Stefano Belbo, en la región de Piamonte, Italia, lugar donde escribió dicha novela en menos de dos meses.

“La Luna y las hogueras” es un libro cargado de decepción y desesperanza como vemos en un diálogo que sostienen el protagonista con su mejor amigo de la infancia (Nuto): “Sin embargo, la vida es la misma y no saben que un día ellos mirarán a su alrededor y comprobarán que todo lo que fue suyo también ha desaparecido”.

En cada lugar que nos describe, nos trasmite la emoción que seguramente el autor sentía cada vez que rememoraba el campo, la naturaleza y provoca en el lector que se adentre en su alma: “…me interné en el prado y bordeé el viñedo, que ahora entre las hileras estaba con rastrojo de grano quemado por el sol. Debido a que detrás del viñedo, en lugar de la sombra negra de los avellanos había un maizal bajo, tanto que la vista se dilataba, el terreno parecía muy reducido, un pañuelito.”

En el prólogo de esta edición del año 2000, Gian Luigi Beccaria, al referir que la verdadera ambición de Pavese no estaba en dar ese objetivo novelesco al libro: “…todo lo que nos dice converge en una sola dirección, imágenes y analogías gravitan entorno a una preocupación obsesiva: los sacrificios humanos.”

Pocos meses antes de morir le escribió a un amigo (Aldo Camerino): “La Luna es el libro que llevaba adentro desde hacía mucho tiempo y el que más he disfrutado en escribir. Tanto que creo que por un rato –quizá para siempre– ya no haré ningún otro. No conviene tentar a los dioses.”

El escenario descrito en esta novela, es posterior a la segunda guerra mundial, donde los empleos escaseaban y encontramos personajes que sobreviven a una atmósfera hostil, situaciones conflictivas y de comportamientos desagradables: “Entonces Nuto empezó a gritar que nadie nace haragán ni malvado ni delincuente; toda la gente nace igual, y únicamente los otros te arruinan la sangre tratándote mal.”

El personaje principal (Anguilla, el narrador), tras años de ausencia regresa a su terruño y lo encuentra diferente, al igual que a quienes conoció en la infancia y con cierta nostalgia reflexiona: “Quizás haya una casa, muchachos, viejos, una niña –y un Nuto, un Canelli, una estación, hay alguien como yo que quiere irse y hacer fortuna– y en verano trillan el grano, vendimian, en invierno salen de casa, hay una terraza. Les sucede lo mismo que a nosotros. Los muchachos, las mujeres, el mundo no han cambiado. …y sin embargo la vida es la misma, y no saben que un día se verán devuelta y que también para ellos todo será pasado.”

El título de su novela habla permanentemente de las fogatas que tienen que ver con la tierra, así como de una festividad de la población “–en la noche de San Juan había fogatas por todas partes–”; “Esta vez se quedó callado, frunciendo los labios, y sólo cuando le conté la historia de las fogatas en los rastrojos, levantó la cabeza. Seguro que hacen bien –afirmó–. Despiertan la tierra”; “Quizás es mejor así, mejor que todo se esfume en una fogata, que la gente empiece de nuevo”.

En el mes de junio de 1950, será reconocido con el premio “Strega”, máximo galardón de la cultura italiana, por su obra literaria, dos meses después en un hotel de Turín, Pavese se suicida tras una larga depresión. En una carta enviada a Constance Dowling escribe: “Alcanzarás a recibir La Luna y las hogueras, es posible que ya te esté esperando en North Vista Aveneu antes de que llegues. Me alegra mucho que tu nombre esté ahí. Recuerda que escribí este libro, en su totalidad, antes de conocerte y, sin embargo, de alguna manera en él yo sentí que estabas por llegar. ¿No es maravilloso?.”

Gracias a mi querido amigo Guillermo Fernández (1932-2012) gran poeta y traductor del italiano al español, conocí la obra de Pavese en un libro de la colección La canción de la Tierra, que tradujo “Diálogos con Leucó” y que es una autobiografía en la que el poeta aparece representado por las grandes víctimas del destino.

Comparto la traducción realizada por Guillermo Fernández del poema de Pavese dedicado a Constance: «Vendrá la muerte y tendrá tus ojos esa muerte que nos acompaña de la mañana a la noche, insomne, sorda, como un antiguo remordimiento o un vicio absurdo. Tus ojos serán una palabra inútil, un grito ahogado, un silencio. Así los ves cada mañana cuando a solas te acercas a ti hacia el espejo. Oh querida esperanza, ese día también sabremos que eres la vida y la nada. Para todos la muerte tiene una mirada. Vendrá la muerte y tendrá tus ojos. Será como dejar un vicio, como mirar en el espejo la resurrección de un rostro muerto, como escuchar unos labios cerrados. Nos hundiremos, mudos, en el remolino.”

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Las tertulias literarias

Por: Thelma Morales García

En antaño, nuestros abuelos se reunían en la casa de algún conocido a disfrutar las tradicionales peñas literarias o tertulias, pues era la única manera de pasar un rato agradable con los amigos y los familiares, lo que me hace recordar la canción de Chava Flores titulada “La tertulia”, donde este extraordinario compositor nos narra en una canción cómo eran esas tertulias, llenas de música y pláticas en torno a temas de interés para los ahí reunidos, en esas épocas los televisores eran muy escasos al igual que los radios.

Así es que estas tertulias eran la forma de divertirse sanamente en las casas de antes. Recuerdo que la canción iniciaba así: Vámonos de tertulia en case Julia “La otra noche fui de fiesta en case Julia, se encontraba ya reunida la familia, Maripepa, Felícitas, Luz y Otilia…”, éstas eran las reuniones que se hacían en casas de la clase media de la década de los treinta del siglo pasado.

Para Antonio Requeni, en la peña, reunión o tertulias se reunían personas unidas por afinidad de intereses, actividades o de simple simpatía amistosa, se dice que las peñas tuvieron una larga tradición que se vincula con la necesidad del hombre de comunicarse. La peña no es una institución privativa de una clase sino un hábito que ha abarcado siempre todos los niveles sociales y culturales, desde los areópagos literarios de la Grecia clásica a las ruedas de parroquianos que discuten en una mesa de café las alternativas del último partido de fútbol o la mejor manera de enderezar el mundo.

Esto me hace recordar que hace años visité a una amiga en Taxco, Guerrero, donde sus padres y abuelos, son por tradición plateros y me hablaba mucho de William Spratling, joyero y promotor de la platería en la zona, avecindado en el lugar apenas un año antes un hombre que llegó a vivir a Taxco por ahí de los años treinta, de hecho existe un museo que lleva su nombre y donde se exhiben sus hallazgos realizados en zonas prehispánicas y recuperó para el pueblo de México vasijas y objetos arqueológicos. Pues este hombre es más recordado por la enseñanza que dio a varios artesanos para que elaboraran objetos de plata y gracias a ello hoy en día es uno de los principales centros del país en el trabajo de la joyería con este metal.

También es recordado por sus famosas tertulias pues se cuenta que David Alfaro Siqueiros al entrar en contacto con el arquitecto Spratling, pues este norteamericano instauró en su casa, el taller Las delicias, las tertulias para artistas de diferentes disciplinas (poetas, pintores, cineastas, fotógrafos, etc.). Y Taxco se hizo entonces fuente mágica de los espíritus creadores.

Roberto López Moreno, poeta chiapaneco contaba “Qué hubieran dado muchos artistas de la época por alcanzar a compartir aquellas tardes en las que en el taller de Spratling se reunían almas inquietas como la de él, con propuestas estéticas, con novedades artísticas removiendo conceptos tradicionales, invitando a transitar nuevas experiencias. En esas tertulias que duraron hasta 1932, llegaron a convivir inquietudes como las de los poetas Carlos Pellicer, José Juan Tablada y Salvador Novo junto con el fotógrafo Manuel Álvarez Bravo y el pintor Roberto Montenegro.”

El cineasta ruso Serguei Einsenstein en busca de las tertulias de Las delicias, él, tan ávido de encontrarse con los misterios y las maravillas de un México que finalmente se llevaría capturado en las entrañas de su cámara cinematográfica. Hacia Las delicias se encaminaron también en diferentes ocasiones Lola Álvarez Bravo, Arthur Miller, Aurora Reyes (“la cachorra”, jovencita de apenas 24 años a quien faltaban todavía cuatro años más para que pintara su primer mural, el primero creado en México por una mexicana), Gloria Calero, Hart Crane, entre otros.

La tertulia entre artistas se combinaba con arduo trabajo que realizaban Einsenstein, filmando; Spratling creando prodigios de joyería; Siqueiros, grabando sus testimonios de artista comprometido, como otra forma de alcanzar su libertad plena y de vivir plenamente dentro de su mundo. El ámbito aquel fue espacio para planes creativos y para creaciones innovadoras, para la visualización de nuevos lenguajes y para que convivieran las imaginerías que la época y el paisaje mexicano daban al mundo.

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La ciudad de los libros

Por: Thelma Morales García

Fue el 21 de noviembre de 2012 cuando se inauguró la Ciudad de los Libros en un antiguo edificio que inició su construcción en 1793 y que se concluyó en 1807; ahí se estableció la Real Fábrica de Tabaco, en todos sus espacios conformados por patios y cuartos se guardaba el tabaco en un total de 28 mil metros cuadrados; en años posteriores sus muros albergarían la prisión militar en la época independentista, también sería depósito de armas en 1913 cuando se suscitó la Decena Trágica con la insurrección de Victoriano Huerta.

En épocas más recientes se crearía en 1944 la Biblioteca de México José Vasconcelos de la Ciudadela, pero la idea de realizar la ciudad de los libros surgió precisamente cuando José Vasconcelos fue director de la Biblioteca de México y que su sueño se volviera una realidad “despertar el interés del pueblo por la lectura.”

Para ello se consideró la adquisición de grandes bibliotecas de cinco pensadores fundamentales del siglo XX, empezando con la biblioteca personal de José Luis Martínez, Antonio Castro Leal, Jaime García Terres, Alí Chumacero y Carlos Monsiváis. Para algunos especialistas aquellos que crean su biblioteca, cumplen el objetivo personal e individual, para quien la crea y sólo para ellos tiene significado cada libro; aún así las bibliotecas siempre serán muestra de sus dueños y nos hablarán de sus gustos literarios, por otro lado, podemos acceder a un mundo enorme de posibilidades, en ediciones desaparecidas por el tiempo y que sólo encontraremos en estas bibliotecas tan especializadas.

Hace años, recuerdo que le pregunté al poeta Alí Chumacero, cuáles eran sus ejemplares más valiosos y que si tenía que elegir alguno cuál sería, sin pensarlo respondió que la Biblia; era a su forma de ver el libro más completo. La Biblia, no porque fuera religioso –me decía–, sino por la grandeza de lo ahí escrito.

Sobre estas bibliotecas Rafael Vargas poeta y traductor, informó el día de la inauguración que “una vez instaladas todas estas magníficas bibliotecas, cuyos acervos serán respaldados digitalmente, lo que sigue es mantenerlas, vigilar que no sufran merma, pero que tampoco se conviertan en objetos de ornato, y desarrollarlas. Es indudable que, a cierta altura de su vida, para Martínez, para Castro Leal, para García Terrés, para Chumacero y para Monsiváis, su biblioteca se convirtió en un proyecto que abrazaron a sabiendas de que el resto de su vida no alcanzaría más que para dejarla dispuesta para que otros cosechen de ella y prosigan su cultivo. Hay que celebrar que ahora eso sea posible. Al final, la vocación última de una biblioteca privada es volverse pública.”

“Uno llega a ser grande por lo que lee y no por lo que escribe”, nos decía Jorge Luis Borges. Sor Juana nos dejaría su testimonio en la “Respuesta a Sor Filotea”, sobre el placer que le causaba leer: “…pero yo despiqué el deseo en leer muchos libros varios que tenía mi abuelo, sin que bastasen castigos ni represiones a estorbarlo…”; “¿De qué me acusan? Si lo único que he querido saber es la verdad de las cosas, y para ello solamente he tenido la pasión por la lectura…”

Cada año, el 23 de abril, la UNESCO celebra el «Día Mundial del Libro y del Derecho de Autor» en reconocimiento al poder de los libros como puente entre generaciones y culturas.

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