A la gente tatuada de mastodon: ¿tiene la piel una textura distinta en las zonas tatuadas y en las que no? ¿o eso es algo que puede verse afectado por el tipo de tinta o algún componente externo?

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No soy muy fan de los tatuajes, pero uno así sí que me lo haría 

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 𝑴𝒂𝒖𝒅 𝑾𝒂𝒈𝒏𝒆𝒓: 𝒑𝒊𝒐𝒏𝒆𝒓𝒂 𝒅𝒆𝒍 𝒕𝒂𝒕𝒖𝒂𝒋𝒆 𝒚 𝒎𝒖𝒋𝒆𝒓 𝒒𝒖𝒆 𝒓𝒐𝒎𝒑𝒊𝒐́ 𝒎𝒐𝒍𝒅𝒆𝒔  

Maud Wagner nació en 1877 en Franklin, Luisiana (Estados Unidos), en el seno de una familia sencilla.
Desde pequeña mostró una inclinación natural por el movimiento, la destreza física y la vida fuera de lo común.
Su infancia no fue acomodada ni especial en términos económicos, pero sí estuvo rodeada de historias, viajes y espectáculos ambulantes que la expusieron desde joven a un mundo más allá de lo cotidiano.

A una edad temprana, Maud sintió un fuerte deseo de explorar y ganarse la vida por sus propios méritos.
No encajaba en la idea tradicional de mujer de finales del siglo XIX, y esa inconformidad la llevó a buscar oportunidades lejos de su hogar.
Fue así como se unió al circo, casi por casualidad, cuando un grupo ambulante pasó por su pueblo en busca de personas con habilidades físicas para sus números.
Maud, audaz y sin miedo, aceptó entrar en esa vida itinerante.
En el circo desarrolló habilidades como acróbata y artista de espectáculos, un ambiente que no solo alimentó su independencia, sino que también cimentó su confianza para desafiar cualquier expectativa que la sociedad quisiera imponerle.

La vida en el circo la expuso a una comunidad de artistas, aventureros y personajes singulares, y fue allí donde encontró su primer contacto con el mundo del tatuaje.
En 1904, mientras el circo continuaba su ruta por Estados Unidos, Maud conoció a Gus Wagner, un tatuador autodidacta que viajaba ofreciendo su arte en ferias, carnavales y espectáculos.
Gus no solo era reconocido por sus diseños, sino también por su técnica tradicional de tatuar a mano con aguja e tinta, sin máquinas modernas.

Fascinada por ese arte corporal extraño y misterioso para muchos en la época, Maud —que ya se movía con soltura entre trapecios, escenarios y multitudes— le pidió a Gus que la tatuara.
Él aceptó la propuesta, pero con una condición: ella tenía que aprender el oficio también.
Maud no solo aceptó, sino que se volcó en ello con pasión.
Así comenzaron no solo una relación artística intensa, sino también una relación de pareja que los acompañaría por el resto de sus vidas.

Maud convirtió su cuerpo en un lienzo viviente.
Sus tatuajes incluían animales, flores, patrones geométricos y motivos simbólicos, todos dibujados a mano con técnica tradicional, sin máquinas, lo que requería una precisión y fortaleza física notables.
En una época donde los tatuajes estaban asociados casi exclusivamente con marineros, soldados o artistas de feria, ver a una mujer cubierta de tinta era absolutamente inusual, provocador y, para muchos, escandaloso.

Maud y Gus formaron un equipo inseparable: viajaban juntos, trabajaban juntos y tatuaban juntos en ferias, circos y espectáculos por todo el país.
Pero además de su vida profesional, tuvieron hijos.
Su familia —hijos incluidos— se movía con ellos en ese estilo de vida itinerante, creciendo entre carpas, lienzos, público curioso y una cultura que celebraba lo diferente.
Sus hijos heredaron una familiaridad con la vida en ruta y la exposición al arte y al espectáculo desde muy pequeños.

La carrera de Maud fue tanto artística como revolucionaria.
Su presencia en ferias y escenarios no era solo un espectáculo visual, sino también una afirmación de independencia y desafío social.
En una época en que las mujeres debían limitarse a roles convencionales —ama de casa, esposa, cuidadora— Maud mostraba al mundo otra posibilidad: una vida de arte, movimiento y expresión personal.
Su imagen cubierta de tatuajes, junto con su habilidad para tatuar a otros, atraía multitudes en ferias y espectáculos, donde la gente no solo la admiraba, sino que deseaba llevar en su piel un pedazo de su talento.

El legado de Maud Wagner no se limita únicamente a su destreza técnica o a su aspecto físico llamativo.
Fue una pionera que abrió un camino para mujeres en un campo dominado por hombres, demostrando que el tatuaje no era solo tinta en la piel, sino una forma de expresión personal, resistencia cultural y afirmación de identidad.

Maud vivió hasta 1961, dejando atrás una influencia que trascendió generaciones.
Hoy sigue siendo un ícono para quienes celebran la individualidad, el arte del tatuaje y el valor de romper reglas sociales establecidas.

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Con calma: los cinco puntos y los más buscados

https://www.youtube.com/watch?v=vx3OTZ35e80

Scopitone de Noir c’est noir Johnny Hallyday

La sorpresa de esta semana ha sido el documental Me amarán cuando esté muerto (2018)

En el episodio 3 de la primera temporada de la serie ambientada en Australia Regreso al Paraíso una de las empleadas lleva un tatuaje que la policía interpreta como carcelario: los 5 puntos. Lo curioso es que para mi, en la otra punta del mundo, también es un tatuaje taleguero. De hecho la fama que tenía, allá por los 80, era que si lo llevabas sin haber estado en prisión podías meterte en problemas. También me cuentan que la tradición era hacerse el punto central, lo que llamaban el lunar del gamberro, y cuando las andanzas te llevaban a la trena completarlo con los otros cuatro puntos.

¿Por qué está tan extendido y con significado similar? ¿desde cuándo? ¿aparece en películas? No he conseguido muchas respuestas y sigo interesado.

Bélizaire y los niños Frey (c. 1837) es un cuadro que representa a los tres hijos y al esclavo adolescente, Bélizaire, de una acaudalada familia de Luisiana. En cuadro en la actualidad está restaurado porque desde principios del s. XX estaba así:

Bélizaire había desaparecido de la pintura aunque su presencia se intuía como un fantasma apoyado en el árbol.

«[…] en algún momento a principios del siglo XX, alguien pintó sobre Bélizaire, no solo borrándolo de la historia familiar de los Frey, sino también eclipsando un raro ejemplo de la época de un retrato realista de una persona esclavizada.»

An 1837 Portrait of an Enslaved Child, Obscured by Overpainting for a Century, Has Been Restored and Acquired by the Met

«La investigación de archivo también ha recuperado las identidades y algunas de las historias de los cuatro sujetos. Bélizaire sobrevivió a la Guerra Civil y vivió para experimentar la libertad. Las dos hermanas Frey murieron el mismo año en que se pintó el retrato y su hermano unos nueve años después.»

Bélizaire and the Frey Children

«Ahí va, el timo del dios serpiente» [en bluesky]

Me fascina la historia del dios Glykon inventado por el profeta, o charlatán, Alejandro de Abonuteicos en el s. II d. C.

En corto podemos definir el Scopitone (patentado en 1958) como una gramola que proyectaba películas musicales. Ver su mecanismo interior en funcionamiento es fascinante. Se extendieron por el mundo (Francia, Reino Unido, EEUU…) pero desconozco si llegaron a España, por las cantidades que menciona la wikipedia no tuvieron una producción masiva. Entre las causas que produjeron su declive esta el hecho de que no resultaron atractivas para las superestrellas estadounidenses o británicas, que preferían la televisión; que estaban en locales dirigidos al público adulto y prescindieron de los jóvenes; el estilo de estas grabaciones musicales estaba bastante alejados de los nuevos grupos que van a aparecer en esos años, especialmente del rock psicodélico, y no ayudo tampoco que el negocio de estas máquinas se vinculara con la mafia siciliana.

La última película oficial para un Scopitone se rodó a finales de 1978.

¿Cuál es tu color favorito? ¿Prefieres cuadros con ángulos pronunciados o curvas suaves? ¿Te gustan los lienzos lisos o las pinceladas gruesas? ¿Prefieres contemplar un cuadro con figuras desnudas o completamente vestidas? ¿Deberían estar las personas del cuadro en su tiempo libre o trabajando? ¿Deberían estar en interiores o exteriores? Y, en este último caso, ¿en qué tipo de paisaje?

Estas fueron algunas de las preguntas que la firma de investigación Marttila & Kiley, Inc. formuló a 1001 estadounidenses en 1993. La firma de encuestas había sido contratada por Vitaly Komar y Alexander Melamid, dos artistas nacidos en la antigua Unión Soviética que emigraron a Estados Unidos a finales de la década de 1970. Para su proyecto La Elección del Pueblo, se propusieron identificar los elementos que conformarían las pinturas “más deseadas” y “menos deseadas” de sus compatriotas. Posteriormente, produjeron versiones reales de ambas.

La encuesta de Komar & Melamid arrojó estadísticas ciertamente fascinantes: el 44% de los estadounidenses dijo que prefería el color azul; el 49% de ellos favoreció escenas al aire libre que representan lagos, ríos y océanos; el 41% expresó una preferencia por pinturas grandes, con más del 60% favoreciendo pinturas del tamaño del lavavajillas, mientras que menos del 20% quería que sus pinturas fueran del tamaño de un refrigerador; y el 56% de los estadounidenses dijo que quería figuras históricas en sus pinturas, en lugar de celebridades modernas.

Un año después del estreno de “La Elección del Público”, la Fundación Dia Art y el Chase Bank encargaron a Komar & Melamid que llevara su proyecto a nivel mundial. Finalmente, encuestaron a personas de 13 países más, incluida su Rusia natal , para que crearan las pinturas más y menos solicitadas de cada uno.

Aunque los gustos de los internautas se apartaron de la tendencia, la mayoría de los países terminaron con pinturas similares, tanto las más solicitadas como las menos solicitadas. Salvo por la figura de Jesús acechando entre los arbustos, la pintura más solicitada de Rusia se acercaba sorprendentemente a la visión estadounidense de una pintura ideal: dos niños jugando junto a la orilla de un lago de aguas cristalinas. En casi todos los países encuestados, desde China y Kenia hasta Islandia y Ucrania, los ciudadanos parecían querer el mismo tipo de pintura inofensiva: una pintoresca escena costera con mucho azul.

This Is America’s Most Wanted Painting · Benjamin Sutton

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