“Couloir” : Auraj signe une traversée pop-rock sombre et cinématographique

Auraj, artiste indépendante entre Paris et les Landes, dévoile son second single intitulé “Couloir”. Cette nouvelle chanson pop-rock française s’inscrit dans une ambiance plus sombre et introspective que ses précédentes productions. Le morceau mêle guitares électriques, synthés inquiétants et textures analogiques, portés par une voix habitée. L’ensemble crée une atmosphère sensorielle où l’émotion s’impose dès les premières notes.

Pensé comme une expérience immersive, “Couloir” plonge l’auditeur dans un moment de rupture où tout semble vaciller. La composition adopte une structure presque hypnotique, conçue comme une boucle dont il est difficile de s’échapper. La chanson explore différentes émotions, notamment la peur, l’incompréhension et la colère. Cette traversée émotionnelle s’apparente à un cheminement intérieur, symbolisé par ce couloir sans repère ni fin apparente.

Dans la continuité de son premier titre lumineux “Coup de Folie”, “Couloir” apparaît comme son alter ego lunaire. Là où le premier évoquait l’élan du cœur, ce nouveau morceau met en lumière les remous intérieurs. Le résultat prend la forme d’une tempête intime, à la fois hypnotique et viscérale. Auraj poursuit ainsi une exploration musicale où les contrastes émotionnels occupent une place centrale.

Le visualizer accompagnant le titre, réalisé par Auraj elle-même, prolonge cette esthétique sombre et onirique. La mise en images propose une interprétation symbolique de la traversée intérieure évoquée dans la chanson. En affrontant ses propres démons, l’artiste suggère l’idée d’un passage vers un nouveau départ. Cette dimension visuelle renforce le caractère cinématographique du morceau.

Avec “Couloir”, Auraj poursuit la construction d’un univers musical marqué par l’introspection et l’intensité émotionnelle. Entre pop-rock et esthétique visuelle forte, ce second single confirme une direction artistique cohérente. Une proposition sensorielle qui invite à explorer les zones d’ombre pour mieux envisager la lumière.

https://youtu.be/r0uR3ZDSpmg

“Reflets” : Tim d’Aboville trace les contours d’un univers folk-pop sensible

Auteur-compositeur-interprète parisien, Tim d’Aboville a dévoilé son premier EP intitulé “Reflets”. Composé de cinq titres, ce projet folk-pop pose les bases d’un univers acoustique chaleureux, porté par une voix expressive et des textures modernes. Écrit et majoritairement produit par l’artiste dans son home studio à Paris, l’EP marque l’aboutissement de plusieurs années de recherche artistique. Alternant naturellement entre le français et l’anglais, il reflète un parcours biculturel entre la France et les États-Unis.

À travers ces cinq morceaux, “Reflets” explore l’amour sous différentes facettes : l’élan des commencements, la douceur de la relation, la mélancolie des séparations et l’idée d’un amour plus profond et durable. L’ensemble s’inscrit à la croisée de la pop et de la folk, dans une approche intime et narrative. Tim d’Aboville revendique des influences variées, allant de Frank Sinatra, Charles Aznavour ou Édith Piaf à des artistes contemporains comme Ed Sheeran, Vianney, Noah Kahan ou Arctic Monkeys. Ce mélange nourrit des compositions à la fois personnelles et intemporelles.

Les singles “Next to You” et “Chacun de notre côté” constituent deux portes d’entrée complémentaires dans son univers. Le premier s’inscrit dans une veine folk-pop lumineuse et fédératrice, tandis que le second prend la forme d’une ballade piano moderne, empreinte de nostalgie et inspirée des souvenirs de la maison d’enfance de l’artiste. À eux deux, ces titres totalisent déjà plus de 20 000 écoutes sur Spotify.

Entièrement indépendant et auto-produit, Tim d’Aboville a enregistré l’EP dans son appartement parisien, au sixième étage avec une vue lointaine sur la tour Eiffel. Il revendique une esthétique DIY, accordant une attention particulière à la chaleur et à l’authenticité des guitares. Le mixage et le mastering ont été réalisés en collaboration avec un ingénieur du son parisien rencontré par hasard dans un bar, renforçant la dimension humaine du projet. Le titre “Chacun de notre côté” a également été enregistré dans un studio parisien aujourd’hui fermé, avec la participation de l’artiste et ami Felix Antonio.

Avec “Reflets”, Tim d’Aboville propose un premier projet cohérent, intime et personnel. Entre influences classiques et contemporaines, il affirme une identité folk-pop ancrée dans la sincérité. Un EP qui pose les fondations d’un parcours indépendant placé sous le signe de la générosité artistique.

https://open.spotify.com/intl-fr/album/1CC5SB7pKKi6i15HwNLM2z

Heartwish dévoile “Good Times & Bad Times”, un hymne lumineux entre ombre et espoir

Fondé en Suisse en 2020, Heartwish s’est construit loin des stratégies marketing et des tendances éphémères. Le groupe réunit des musiciens expérimentés animés par une passion commune : créer une musique sincère, mélodique et profondément humaine. À l’origine du projet, le compositeur Juerg Weibel et le chanteur Ricardo Iglesias façonnent l’identité sonore du collectif. À leurs côtés, Claudio Cervino et Cyrill Messmer participent à une aventure musicale où professionnalisme et enthousiasme se conjuguent naturellement.

Depuis ses débuts, la formation privilégie des chansons appelées à durer. Leur univers mêle pop rock classique et production moderne, porté par des refrains mémorables et des textes chargés d’émotion. Amitié, espoir, force intérieure et souvenirs jalonnent leurs compositions. Une approche qui a permis au groupe de s’imposer progressivement sur la scène rock indépendante, notamment grâce à des titres comme Get Away, Fly Away, The Lonely Heart, Fight ou Little Things.

Les morceaux du groupe ont été enregistrés aux Powerplay Studios, sous la direction du producteur Urs Wiesendanger, apportant profondeur et qualité à leur son. En 2025, l’album These Are the Days a confirmé cette identité : une musique centrée sur la mélodie, l’émotion et un message clair. Pour Heartwish, la musique se veut un pont entre les individus, capable d’inspirer et d’élever.

Avec “Good Times & Bad Times”, le groupe poursuit cette ligne artistique. Le titre évoque les contrastes de la vie — entre soleil et tempête, espoir et doute — et invite à persévérer malgré les obstacles. Plus qu’une simple chanson, le morceau se présente comme un accompagnement musical pour ceux qui traversent des hauts et des bas. Le message est limpide : chaque épreuve contribue à grandir, et personne n’a à affronter le chemin seul.

En résumé, “Good Times & Bad Times” s’inscrit dans la continuité du projet Heartwish : un rock mélodique sincère, tourné vers l’émotion et le partage. Le groupe confirme ainsi sa volonté de proposer une musique authentique, porteuse d’espoir et de lien humain.

https://open.spotify.com/intl-fr/album/1aQJdETtL0OnESH32D32WK

Klaraa se dévoile avec « Woke up with the sun », un premier single électro-pop lumineux

Originaire d’Uzès, Klaraa explore depuis toujours le pouvoir des mots et des mélodies. Âgée de 25 ans, elle capte l’attention par une voix à la fois douce et affirmée, révélée au public lors d’un spectacle de fin d’année marquant le début de son parcours artistique. Très tôt, la musique devient pour elle un espace d’expression sincère, guidé par l’émotion et la justesse.

Des premiers covers enregistrés en studio et partagés sur sa chaîne YouTube à l’écriture de ses propres chansons, Klaraa construit progressivement un univers personnel. Sensibilité, énergie et authenticité s’y mêlent naturellement, dessinant les contours d’une identité musicale affirmée. Ce cheminement l’amène aujourd’hui à donner vie à un projet original nourri de rencontres et de collaborations artistiques.

Avec « Woke up with the sun », disponible depuis le 5 novembre 2025 sur toutes les plateformes de streaming, Klaraa signe son tout premier titre inédit. Ce morceau électro-pop lumineux et entraînant marque une étape clé dans le lancement de son projet musical. Il annonce un univers empreint d’enthousiasme, porté par une volonté claire de transmettre des émotions positives et intemporelles.

À travers ce single, l’artiste célèbre la légèreté des nouveaux départs et diffuse une énergie solaire et optimiste. Fidèle à son approche sincère, Klaraa invite l’auditeur à découvrir son monde musical, où chaque note reflète son désir de partage et d’authenticité. Le clip officiel accompagne cette première sortie et prolonge l’expérience visuelle de ce lancement prometteur.

Avec « Woke up with the sun », Klaraa pose les bases d’un projet électro-pop personnel et lumineux. Ce premier single révèle une artiste en pleine affirmation, animée par l’envie de toucher le cœur du public. Une entrée en matière encourageante qui ouvre la voie à de nouvelles explorations musicales.

https://youtu.be/7A4o_3ZJPps

Felix Antonio signe une ballade lumineuse et intime avec « Waiting for the Sun to Rise »

Avec Waiting for the Sun to Rise, Felix Antonio dévoile une ballade folk-pop chaleureuse et introspective, premier single qu’il signe sur le label français InFiné. Le morceau repose sur une promesse simple et universelle : rester aux côtés de l’autre malgré la solitude, le doute ou la distance, jusqu’à l’apparition d’un nouveau jour. Cette attente devient le fil conducteur d’une chanson empreinte d’espoir et de retenue émotionnelle.

L’artiste assemble une orchestration délicate mêlant guitare acoustique, mandoline en filigrane, basse, batterie en tempo médium et piano discret. Progressivement, l’architecture sonore s’ouvre vers une dimension plus aérienne et presque cinématographique. D’abord fragile, la voix de Felix Antonio gagne en intensité pour culminer dans un refrain répétitif et obsédant : « I’ll be waiting for the sun to rise ».

Cette ballade résonne avec les univers sensibles de Bon Iver, les élans romantiques de Tamino ou encore la sincérité de Phoebe Bridgers. Waiting for the Sun to Rise se présente comme une œuvre réconfortante et cathartique, transformant un geste intime en promesse collective. La chanson invite à croire dans la force silencieuse de l’attente partagée.

Né en Normandie en 2001, Felix Antonio baigne très tôt dans la musique avant de s’installer à Paris à 17 ans et de fonder le groupe indie pop Silk Skin Lovers, qui cumulera plusieurs millions de streams avant sa séparation en 2023. En 2024, il amorce sa carrière solo avec l’EP Simpler Times, révélant la délicatesse de son écriture et la profondeur de son univers. Séduit par la sincérité et la puissance émotionnelle de ses compositions, le label InFiné accompagne désormais l’artiste dans ce nouveau chapitre.

Avec Waiting for the Sun to Rise, Felix Antonio confirme l’étendue de son talent d’auteur-compositeur-interprète. Cette première collaboration avec InFiné ouvre un voyage artistique prometteur, guidé par la douceur, l’espoir et la capacité réparatrice de la musique. Une entrée en matière lumineuse pour une carrière solo en pleine éclosion.

https://youtu.be/IEF1ILZV0AU

Andrea Cámpora fait entendre une voix blues-rock venue du Rio de la Plata avec « Umpire »

Auteure, chanteuse et artiste multidisciplinaire argentine installée en France, Andrea Cámpora développe un univers artistique marqué par la narration et l’introspection. Écrits en anglais et en espagnol, ses textes interrogent la construction de soi, les relations, la perte, le pardon et les erreurs qui jalonnent une vie. Son parcours en comédie musicale influence fortement son esthétique, donnant à ses chansons une dimension à la fois visuelle et émotionnelle.

Originaire de la région du Rio de la Plata, Andrea Cámpora s’appuie aujourd’hui sur une collaboration étroite avec Samuel Loison, arrangeur et compositeur. Leur complicité musicale se traduit par des morceaux bluesy aux inspirations rock et vintage. Ensemble, ils façonnent un équilibre entre puissance et fragilité, au service de textes profondément personnels.

Avec Umpire, Andrea Cámpora livre un titre engagé sur le regard des autres et le poids du jugement. Inspirée de témoignages réels de musiciens ayant renoncé à créer après des remarques destructrices, la chanson se présente comme un cri de révolte. Umpire affirme la nécessité de se construire malgré les mots qui blessent et entravent.

Ce single s’inscrit dans la continuité de The Game, premier titre récemment dévoilé avec son clip. Andrea Cámpora et Samuel Loison travaillent actuellement à l’enregistrement des derniers morceaux de leur premier EP. Le projet, prévu pour le printemps prochain, réunit également d’autres musiciens locaux et prolonge cette exploration blues-rock sincère.

À travers Umpire, Andrea Cámpora affirme une identité artistique forte, nourrie par ses racines et ses expériences. Sa musique propose un espace de résistance et de reconstruction. Un univers sensible et déterminé, où la création devient un acte de liberté.

https://youtu.be/Rcc6yRF2A8E

DAM signe un nouveau départ avec le titre « Retour »

DAM fait ses premiers pas dans la musique sous le nom de SPBK, un alias avec lequel il construit patiemment son parcours entre 2020 et 2023. Durant cette période, il publie trois EP qui lui ouvrent les portes des radios hip-hop de Suisse romande. Originaire de Liddes, en Valais, il se produit également sur scène, notamment à Martigny et à Orbe. Ces expériences posent les bases d’un projet en constante évolution.

En parallèle, l’artiste rejoint l’association Cortes Music, structure dédiée à l’accompagnement de jeunes talents. Ce cadre lui permet d’affiner son identité musicale et de développer ses compétences artistiques. En 2023, il franchit une nouvelle étape avec l’EP « Fusion », un projet mêlant rap et pop. Ce disque rencontre un écho notable et cumule plus de 20 000 streams.

L’année 2024 marque une période plus discrète en termes de sorties musicales. DAM apparaît toutefois sur la mixtape LoveWave de Mackie of The Moon, tout en se concentrant sur un autre axe de son activité. Il développe le Space QG, un studio de musique destiné à accueillir et accompagner de jeunes artistes valaisans. Il y produit, enregistre et mixe aussi bien ses propres morceaux que ceux des autres.

En 2025, DAM renoue pleinement avec l’écriture et l’expérimentation sonore. Il compose, enregistre et teste de nouvelles maquettes avant de finaliser le titre « Retour », qu’il mixe lui-même avant un mastering assuré par Greg Dubuis. Sorti officiellement en janvier 2026, le morceau marque l’abandon définitif du nom SPBK. Ce changement d’identité artistique accompagne une volonté affirmée de proposer une musique plus personnelle et sincère.

Avec « Retour », DAM affirme une transition artistique assumée et réfléchie. Le titre symbolise à la fois une continuité et un renouveau dans son parcours. Une nouvelle étape qui place l’authenticité au cœur de son projet musical.

https://youtu.be/6z9lH2E60Nw

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CHAOSCÈNE : oXni transforme le chaos contemporain en œuvre totale

Porté par l’artiste plurimédium Julia Maura, le projet oXni s’impose comme un objet artistique singulier, à la croisée de la musique, de la poésie et de l’image. Depuis sa naissance en 2020, le projet se distingue par des textes denses, oscillant entre rap incisif et chant habité, posés sur des productions éthérées aux influences trip-hop. Très vite, ses morceaux trouvent un écho sur des médias comme FIP, France Culture et France Inter, confirmant la portée de son propos.

En 2021, oXni signe la bande originale de la série Justice ! pour France TV avec le titre Je suis à moi. Les clips, souvent réalisés par l’artiste elle-même, circulent largement et sont récompensés dans plusieurs festivals internationaux. Les paroles de oXni dépassent le cadre musical et investissent l’espace public, reprises par des militant·e·s féministes dans différentes villes européennes. Ce parcours singulier permet à oXni de s’imposer sur des scènes variées, des festivals alternatifs aux lieux d’art contemporain.

Disponible depuis le 26 septembre 2025, CHAOSCÈNE est le premier album multimédia de oXni, conçu comme une œuvre en trois actes. Le disque propose un regard structuré sur le chaos de l’époque, les traumatismes intimes et collectifs, puis sur les chemins de libération personnelle et d’émancipation collective. Musicalement, l’album brouille les frontières en naviguant entre pop-rap, boom bap, trip-hop, drum & bass émotionnelle et morceaux club.

Les thématiques abordées vont des violences intrafamiliales à la montée de l’extrême droite, en passant par la critique sociale et l’intime. Chaque morceau s’accompagne d’un univers visuel propre, prolongeant la narration musicale. Le projet s’appuie sur de nombreuses collaborations, majoritairement féminines et queers, de la composition au mixage. En parallèle de l’album, oXni publie également CHAOSCÈNE, un premier recueil de textes édité chez Rotolux Press.

Avec CHAOSCÈNE, oXni signe une entrée marquante dans le format album, fidèle à une démarche résolument DIY devenue aujourd’hui reconnue. Entre musique, littérature et image, le projet affirme une vision artistique cohérente et engagée. Une œuvre dense qui interroge le présent tout en ouvrant des pistes de transformation collective.

https://open.spotify.com/intl-fr/album/0b0J3fiKdiIAZoKxRilqjp?si=2R0sE9p5Sv2SnzCE2t30XQ

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DATTOLA revient avec « La Discorde », un single électro-pop aussi sombre qu’hypnotique

Né à Buenos Aires en 1981, Dattola a grandi entre l’Argentine, l’Allemagne et le Royaume-Uni avant de s’installer en France. Nourri dès l’enfance par des influences allant de Kate Bush à Serge Gainsbourg, il compose ses premières chansons à l’âge de dix ans. Son parcours discographique débute officiellement en 2006 avec un premier album en français, lo-fi et minimaliste, rapidement remarqué pour ses textures granuleuses et ses mélodies délicates.

En 2010, Crash Bam marque un virage vers une électro-pop plus lumineuse, chantée en anglais, enrichie de synthétiseurs et de collaborations marquantes. L’album Primate, porté notamment par le titre Everything Shakes, amorce ensuite une approche plus organique, mêlant instruments acoustiques et électronique. Dattola se distingue également par son travail visuel, collaborant avec des réalisateurs et photographes pour des clips à l’esthétique affirmée. Depuis 2020, il assume un retour à une pop plus directe en français, notamment avec l’EP Flamant Rose.

Avec « La Discorde », Dattola signe aujourd’hui un nouveau chapitre de son projet artistique. Le morceau repose sur des synthés profonds, des rythmiques enveloppantes et des arrangements aériens, installant une atmosphère à la fois dansante et introspective. Le texte évoque un monde au crépuscule, porté par une voix claire et habitée, fidèle à l’écriture lucide de l’artiste. Ce single s’inscrit dans une électro-pop française moderne, tout en affirmant une signature personnelle.

Le clip, réalisé par Fabien Champion avec la participation de la compagnie de théâtre L’Estampeur, prolonge cet univers. Il met en scène une course absurde dans une ambiance sombre et burlesque, faisant écho aux tensions suggérées par la chanson. Cette collaboration confirme l’importance du dialogue entre musique et image dans le travail de Dattola. « La Discorde » annonce ainsi une nouvelle étape forte dans l’évolution de son univers.

Avec ce nouveau titre, Dattola confirme la cohérence et la singularité de son parcours. Entre électro-pop, poésie et mise en scène, « La Discorde » s’impose comme un retour marquant. Un morceau qui affirme une vision artistique toujours en mouvement.

https://youtu.be/WGGpmJiuEsQ

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To The Moon & Back réinvente “Le Love Flow” en French Touch

Après la sortie remarquée de leur premier album Memory Box en mars, le duo To The Moon & Back poursuit son parcours avec une relecture ambitieuse de l’un de ses titres phares. Composé de Céline et Charles, le groupe dévoile « Le Love Flow – French Touch Edition ». Ce single est une version entièrement réarrangée et revisitée par leurs soins.

L’orientation musicale évolue vers un trip hop électro plus sensuel et vibrant. Cette nouvelle approche plonge encore davantage l’auditeur dans une intensité émotionnelle assumée. Le morceau conserve son ADN introspectif tout en gagnant en profondeur sonore. Il s’inscrit dans la continuité artistique d’un projet déjà salué pour sa cohérence.

« Le Love Flow » décrit un flux amoureux à la fois exaltant et destructeur, capable de donner des ailes comme de malmener les corps et les esprits. Les paroles traduisent une séduction trouble, où désir et abandon se confondent sans jamais tomber dans les clichés. L’écriture, directe et à fleur de peau, s’accompagne d’un univers visuel fort, symbolisé par la rose présente sur la pochette.

Le clip, quant à lui, mêle le visage au passage du temps, rappelant la fragilité de l’instant et des sentiments. Déjà plébiscité, le duo s’est imposé comme une référence montante de la scène électro pop rétro. Leurs précédents singles ont été mis en avant sur Amazon Music et Apple Music. « Love Flow » totalise à ce jour plus de 22 500 streams sur Spotify et bénéficie d’un solide soutien médiatique, notamment de BFM TV.

Avec « Le Love Flow – French Touch Edition », To The Moon & Back confirme sa capacité à faire évoluer son univers sans le dénaturer. Le duo livre une version plus charnelle et immersive d’un titre déjà marquant. Une nouvelle étape cohérente pour un projet électro pop introspectif en pleine ascension.

https://youtu.be/BMo7njGGv_4

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